domingo, 24 de abril de 2011

Grandes Diseñadores: Milton Glaser

Taj Mahal y su Leyenda de Amor

Los alminares almohades

El arte mudéjar

Medina az-Zahra

El arte de los siglos XI al XV en al-Andalus

Iconografía del poder

Precedentes del retrato

La escultura de Antonio Canova, el Escultor que les Gustó cuando Vimos el Neoclasicismo

La escultura en el Siglo XIX

jueves, 21 de abril de 2011

Vargas Llosa estará Hoy en la Feria del Libro

Hoy, a las 18:30.

En la Sala Jorge L. Borges, el autor de "Conversación en la catedral" da una conferencia magistral y dialoga con Jorge Fernández Díaz. La sala cuenta con 200 ubicaciones para el público y el ingreso es por orden de llegada. El acto se va a reproducir en dos pantallas fuera de la sala para satisfacer a los que deseen escucharlo.
Para más informaciones sobre la Feria del Libro de Buenos Aires podés ver su página donde te cuentan las actividades diarias: http://www.el-libro.org.ar/
Recordá que si llevás tu libreta de estudiantes de la facu, la entrada es gratuita para vos de lunes a viernes.

¿Por qué Louise Bourgeois hacía Arañas? Una Pregunta del TP que se Resuelve en un Paseo a Proa

Por primera vez en Argentina se exhibe Louise Bourgeois, una visión retrospectiva de su obra que, tal como sintetiza Philip Larratt-Smith, será "el primer análisis en profundidad de su relación con el psicoanálisis y el arte".
Se exhiben alrededor de setenta y cinco obras de los diversos períodos de su producción, instalaciones, esculturas, objetos y una de sus famosas Maman. El catálogo reúne textos de especialistas sobre sus obras y un libro especial con los escritos de Bourgeois sobre el psicoanálisis.
La muestra ser realiza en colaboración con el Studio Louise Bourgeois, y se presentará en el Instituto Tomie Ohtake de San Pablo y el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, durante la temporada 2011.

Fuente: www.proa.org

El Doríforo está en Buenos Aires

Por los 150 años del aniversario de la unidad italiana, se podrá ver en el Museo Nacional de Bellas Artes la estatua del "Doríforo” de Policleto, obra creada en el siglo II. La joya arqueológica viajó desde un museo en Nápoles y será expuesta desde el 1 de abril hasta fines de junio

La exposición hace parte de un "Envío especial de la República de Italia" por noventa días. La escultura, un gigante de marmol de 2,12 metros, es la réplica mejor conservada de un bronce original del siglo V, a.C. Proviene del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles y llega al país en el marco de la visita oficial del Canciller de la República de Italia, conformaron desde el Museo Nacional de Bellas Artes.
El Doríforo de Policleto es una de las esculturas de la antigüedad más influyentes en la concepción occidental de la representación del cuerpo humano. “La importancia de la obra justifica ubicarla en un entorno arquitectónico que destaque su monumentalidad”, explicaron a la agencia Télam desde el Bellas Artes. “Por eso el hall de acceso del museo es el sitio ideal para brindar ese entorno que permite observarla desde abajo, desde arriba e inclusive desde el exterior por medio de las puertas de acceso”, añadieron.
La estatua ya inició su viaje desde Nápoles hacia Buenos Aires. En su travesía está protegido con un embalaje especialmente fabricado y en el interior de una doble caja de madera construida por la empresa Arteria, especializada en el transporte de obras de arte.
Además, en la exposición se incluirá el "Combate del Lapita y el Centauro", relieve escultórico del siglo III a. C, y estampas de Piranesi que muestran su estudio de los monumentos de la Antigüedad.

Nota: El Museo Nacional de Bellas Artes está ubicado en Figueroa Alcorta y Pueyrredón (a pasitos de La Recoleta). La entrada para ver al Doríforo es gratuita porque se encuentra ubicado en el hall central. ¡No tel o pierdas!

Fuente: www.infobae.com

viernes, 15 de abril de 2011

Librería Concentra: Especializada en Arquitectura y Diseño



Este año, Buenos Aires es la Capital Mundial del Libro. ¡Animate! ¡Visitá una librería! Concentra te va a encantar...

EL NIÑO COME LIBROS



Este año Buenos Aires es la Capital Mundial del libro. ¡Animate! ¡Proponete leer!

Conociendo Buenos Aires: Pasá una Tarde con Roberto Arlt


¿Dónde?En la visita guiada a la Mansion de Flores [ Yerbal 2217, Flores ]

¿Cuándo?
El tercer sábado de cada mes desde el 1 de abril al 30 de noviembre

¿En qué horario?
A las 15,30 hs.

¿Para hacer qué cosa?
Una visita, con actores caracterizados de época, siguiendo las huellas de este reconocido escritor. Roberto Arlt nació y creció en el barrio de Flores. Desde la Mansión de Flores, se va hacia la escuela donde estudió, la Plaza Pueyrredón y el Centro Cultural Marcó del Pont.

¿Cuánto cuesta?
Nada, la entrada es gratuita

domingo, 10 de abril de 2011

Museo del Dibujo y la Ilustración en Colectivo Imaginario

La Escultura en el Antiguo Egipto

Ciudades y Casas del Antiguo Egipto

Sepulcros Egipcios: de las Mastabas a las Pirámides

Unas Litografías del Siglo XIX Bien Nuestras: Las de Cesar Hipólito Bacle

Nació en Ginebra cuando esa ciudad pertenecía a Francia. Litógrafo, cartógrafo, naturalista y botánico, arribó a nuestro país en el año 1825.

Asociado con el dibujante Arturo Onslow abrió en 1828 —calle Victoria N° 148— un establecimiento litográfico denominado "Bacle y Cia.", taller que imprimió en forma de cuadernos los Principios del Dibujo, primera obra didáctica destinada a la enseñanza de la mencionada disciplina, publicada en Buenos Aires. A fines de 1829, el establecimiento adquirió rápido progreso, por cuanto el gobierno designó a la firma "Bacle y Cía." con el título de Impresores litográficos del Estado. El taller desarralla una activa labor durante diez años y en determinadas épocas contó con más de treinta obreros, tres prensas y ciento cincuenta piedras litográficas. Allí se publicaron retratos de personajes civiles y militares, las primeras caricaturas, proclamas, tarjetas, miniaturas, almanaques, programas ilustrados de teatros, músicas, letras de cambio, planos topográficos, etcétera. En su trabajo, Bacle contó con la gran colaboración de su esposa Paulina Macaire, del mencionado Onslow, de Hipólito Moulin, de Julio Daufresne y otros litógrafos.
En 1830 apareció la primera parte de Colección General de las marcas de ganado de la provincia de Buenos Aires y en 1833 publicó Trajes y costumbres de la provincia de Buenos Aires —dos álbumes de 46 láminas— que contienen un valioso aporte documental relativo a la sociedad de aquella época.
También Bacle fundó varios periódicos, entre ellos el "Boletín de Comercio" (1830) y cinco años más tarde, el "Diario de Anuncios y Publicaciones de Buenos Aires" —primero en aparecer con ilustraciones— y luego el "Museo Americano", también con numerosos grabados.
Cuando se produjo la intervención francesa en el Río de la Plata, Rosas acusó a Bacle de entregar planos militares al extranjero y lo envió a presidio. El artista enfermó en la cárcel y falleció a poco de recuperar la libertad (4 de enero de 1838).


Fuente: www.robertexto.com

Click, ¡Horacio Salinas!... y la Fotografía se Vuelve Conceptual

Fotografía de Horacio Salinas
El artista Sol LeWitt alguna vez habló del arte conceptual y dijo que en él “la idea o el concepto son la parte más importante del trabajo. Cuando un artista utiliza una forma conceptual de arte, significa que todo el planeamiento y las decisiones están hechos de antemano y la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una maquina que hace el arte”. En tanto, por su parte, Nicolas Mohamed explicó que “la fotografía conceptual apunta a que la obra no tenga un objeto principal que la describa sino que tenga una idea detrás, una interpretación que pueda ser encontrada en la composición de la misma”.
Así es que, Horacio Salinas, este fotógrafo residente en Nueva York e hijo de argentinos sorprende con sus imágenes conceptuales apelando a elementos cotidianos y simples pero con composiciones que logran fotografías únicas con un toque de humor. Naturaleza muerta, alimentos y demás objetos son la base de sus creativas instantáneas.
Cabe destacar que Salinas es habitual colaborador del New York Time Magazine, que ha incursionado en la fotografía de moda y que, ahora, se dedica de lleno a estos proyectos tan particulares que vale la pena recorrer y apreciar.


Fuente: http://www.pixelicia.com/

El Objeto y el Concepto en el Arte Contemporáneo

Por Carlos Weisse

Obra de Gabriel Orozco
El arte conceptual se caracteriza por el empleo de medios no convencionales, su difícil comercialización y su carácter efímero. Géneros como el performance, la instalación, el videoarte y el arte en Internet han cobrado tanta validez, que hoy las escuelas de arte han abierto espacio a estas manifestaciones. Si antes lo que preocupaba al artista era el uso de los colores, ahora es el manejo del concepto.
A finales de la década de los 50 y principios de los 60 surgieron grupos gestores de nuevas ideas y soluciones, como American Pop y Brithish Pop, Les Nouveaux Réalistes, La Figuration Narrative y Fluxus que culminaron entre 1967 y 1972 en un grupo que creó el arte conceptual.
En la década de los 60 las artes plásticas dan un giro importante abandonando las poéticas de índole romántico-idealistas. A partir de este momento inciden sobre todo: la tendencia sintáctico-formal por una parte, y la semántica-pragmática por otra, donde se presta menos atención a la sintáctica de las formas. Ambas alternativas sobrepasan las fronteras institucionalizadas de los géneros artísticos heredados de la tradición, y en una tercera tendencia se cuestiona el estatuto existencial de la obra como objeto.
Si en el arte tradicional predominaba el objeto sobre la teoría, en el modelo sintáctico-semántico, desde la abstracción, se da un equilibrio hasta pasar a situaciones límite donde la teoría es más importante que el objeto (arte conceptual). Tan necesario como percibir la obra concreta es actualizar los conceptos teóricos anteriores a la misma, sus presupuestos productivos y receptivos.
Obra de Gabriel Orozco
En el arte conceptual el “concepto” predomina sobre el objeto hasta eliminar el objeto haciendo del arte pura teoría, es “conceptual” lingüístico y tautológico en tanto “arte como idea”. El arte objetual en cambio es aquel que sólo pretende desplazar la atención desde el objeto hacia el concepto, pretendiendo que el receptor no sea tan pasivo y participe más activamente en la obra de arte.
El arte conceptual intenta una emancipación de la práctica social actual, en tanto no acepta la realidad tal y como se nos presenta, sino que se participa de ella y la altera para hacer que el arte sea igual a vida. No hay un artista y un receptor, sino un artista-receptor-espectador-emisor.
Obra de Gabriel Orozco
Las tendencias objetuales se refieren en sentido estricto a aquellas donde la representación de la realidad objetiva ha sido sustituida por la presentación de la propia realidad objetual, del mundo de los objetos. No se trata de enfrentamientos objeto-antiobjeto, pues son estériles ya que, no toda obra que utilice los medios tradicionales es desdeñable, ni lo conceptual se reduce a lo anti objetual. Se trata de un cuestionamiento del objeto artístico tradicional derivado de un concepto estrecho del arte, ligado al arte del caballete , se aboga en cambio por la expansión de los dominios del arte consistente en una recuperación teórica y práctica de aspectos extra artísticos, incluidos los antropológicos y los sociológicos. Frente a la mentalidad optimista del arte tecnológico y su subordinación a la razón instrumental, se han afianzado las tendencias antitecnológicas. Y paralelamente a esta tendencia alcanza relevancia la noción del azar o lo casual como principio compositivo de una parte de estas manifestaciones. La recuperación del azar significa una vuelta a las fuentes de la vivencia, a la naturaleza, tanto a la del individuo como la ambiental. Esta fue una tendencia que pretendía aliar la revolución con la utopía estética.
La apropiación de la realidad como elemento artístico se realiza desde la hostilidad al objeto artístico tradicional, la extensión del campo del arte, la desestetización de lo bello.
Obra de Sol Lewitt
La nueva sensibilidad, en sus diferentes modalidades, se inserta en la dialéctica entre los objetos y los sujetos a través de la producción no sólo de un objeto para el sujeto sino también de un sujeto para el objeto. Las nuevas tendencias y sus objetivos pretenden poner en cuestión el arte dominante, o mejor dicho su práctica. Hay una reacción a favor de lo social e histórico en detrimento de la galería y el museo.
El objeto tiene su antecedente en el collage utilizado por el cubismo, anteriormente excluido del concepto del arte pasó a formar parte de la obra de arte, naciendo de esta manera el arte objetual independiente. El collage restablece la identidad entre la representación y lo reproducido pues los materiales reales no son sólo objetos de uso que están subordinados a la obra de arte, sino que por sí mismos son reconocidos valores estéticos que anteriormente no poseían, y se los eleva a la categoría de arte.
Aunque hubo artistas como Picasso, Tatlin, que iniciaron este paso a lo objetual, fue M. Duchamp quien dio el paso decisivo hacia el arte, tanto objetual como conceptual. Su envío de la obra Fuente (bajo el seudónimo de R. Mutt), declarándola obra propia por el mero hecho de haberla elegido y destinada a ser pensada desde un nuevo ángulo, supone la aproximación del arte a la realidad liberando a los objetos de sus fines de utilidad y consumo, acentuando su vertiente formal y proclamando el principio de que cualquier cosa puede ser motivo de una articulación artística. Para Duchamp este gesto era una provocación artística contra el concepto del arte burgués, y es el gesto mismo el considerado arte, creando así las bases del arte “objetual” y del arte “conceptual”. Fue K. Schwitters -otro pionero del arte objetual neodadaista- quien conservó sus provocaciones dentro del arte. Éste aprovechaba los elementos de deshecho encontrados como material para realizar sus obras Merz, cuyo objetivo era la creación de relaciones entre todas las cosas del mundo, con la pretensión de unir arte y no-arte en la imagen total Merz.
En el Objeto encontrado el surrealismo continúa la tradición antiburguesa y antiartística del dadaismo. Es más importante la transformación del espíritu, la provocación constante que la obra de arte. En dicho objeto no hay un orden establecido, es el azar el que hace que varios objetos se relacionen, se encuentren y emerja algo que impacta en el espíritu del artista y lo considere su obra. Esta obra aparece por casualidad, nunca en la intención, la obra ha surgido del azar, en el momento que la unión o dispersión de objetos ha ocasionado el impacto en la sensibilidad del sujeto.
Esta acción transformadora del arte habitualmente se desarrollaba en el plano urbano, pero con el surgimiento de los movimientos ecologistas esta provocación urbana se traslada al mundo natural pues aquello que destruye la naturaleza nos afecta a todos. Su campo de acción es la naturaleza física en un sentido amplio, tanto el exterior natural, como la transformada industrialmente, convertida en material artístico. Se trata de que los mismos espacios naturales sean objetos artísticos. Es un retorno a la naturaleza en una acción transformadora que instaure nuevas relaciones con ella. El Land art se apropia de la naturaleza de un modo estético y artístico. Para mostrar su obra recurre a la fotografía, televisión, vídeo, siendo estos medios más útiles, porque permiten una toma completa del paisaje, así como la plasmación del tiempo en el proceso. En el Land art aún más que en el arte Povera se da el proceso conceptual, pues al ser la obra la misma realidad, hace que el espectador descubra cosas que le habían pasado desapercibidas y reflexione si los valores mostrados tienen un status artístico y por qué.
Lo dicho hasta ahora deja en claro que la realidad tal como se la concebía en la modernidad se ha hecho irrepresentable y que aquello que se ocultaba bajo el velo de lo bello se ha retirado, se ha desestabilizado la formación del gusto y ha emergido entonces lo real bajo la especie de lo informe, del terror clamando por el vacío, hay entonces un llamado al vacío, un intento de presentación del vacío. Así el arte conceptual y objetual es un intento de enmarcar el vacío, concepto compatible con lo sublime en Kant y con la vacuola en Lacan. En la filosofía kantiana de lo sublime hay una referencia de la inconmensurabilidad de la realidad con respecto al concepto, el placer así proviene de lo inconmensurable, no hay determinación o regulación como existe en lo bello. Lo sublime tiene lugar cuando la imaginación fracasa y no consigue presentar un objeto que se establezca de acuerdo al concepto, es decir la idea no podría presentar un objeto que fuera un caso de ella. Lo inconmensurable entonces se hace dolorosamente insuficiente en su posibilidad de representación.
El arte contemporáneo entonces podríamos definirlo como aquello que tiene la capacidad de presentar lo impresentable que corresponde a un vacío de la imaginación en la medida de esta inconmensurabilidad de la realidad con el concepto. Esta capacidad llevará a este arte a un trabajo de des realización que tendrá su realización en lo que H. R. Jauss denominó “el objeto ambiguo”, es decir el objeto que no porta la etiqueta de “obra de arte”. El objeto ambiguo involucra al propio observador en la constitución del objeto estético en la medida que el receptor se convierte en co-creador de la obra, liberado así de su pasividad contemplativa. El objeto ambiguo es definido por Jauss como aquel objeto: “que dentro de la ontología platónica no tiene interpretación”.
Lopez Anaya califica esta situación como estética de la incertidumbre, plantea que la relación con el objeto es una “relación de incertidumbre”, en tanto el hecho artístico no es concebible fuera de las relaciones de observación y de esta manera se pone en cuestión la sustancialidad de lo bello. Lo único verdaderamente placentero de este arte es la actividad reflexiva del espectador, no el objeto en sí y sólo puede disfrutar de la atracción interrogativa que sobre él ejerce el objeto cuestionándolo, rechazándolo y, en el fondo, convirtiendo el comportamiento teórico en estético. Lo que se plantea es el absurdo del ready-made, que afirma una función estética a pesar de ser un objeto no artístico. Hay una tendencia de los artistas a convertirse en críticos especulativos de su disciplina y producen obras que más que objetos artísticos son objetos de crítica artística y devienen planteos acerca de la relación entre el arte y la realidad. ***
Harold Rosenberg utilizó la denominación “objetos de ansiedad” para describir obras de arte que tienen como cualidad principal producir inquietud o duda sobre su status artístico. Es decir objetos que trastornan, desconciertan y sumen en la confusión al espectador, es decir que no se dirigen a la percepción sino que apuntan a la interpretación del mismo. Pero también el objeto interpreta su momento histórico. En esto coincidimos con Gérard Wajcman cuando plantea que el objeto es una máquina de interpretar, que formula constantemente preguntas y da respuestas. Al suponer un sujeto (todo objeto de arte supone un sujeto) el contemplador recibe su propio mensaje en forma invertida, resuena así en la obra sus propios significantes Amo que implican su posibilidad de un más allá del goce estético al instaurar un marco en el mundo desde el cual el objeto le habla. Como interpretante, el objeto de arte invierte el lugar de dichos significantes Amo, justamente denuncia su impostura ideológica y los muestra en toda su carencia, en toda su irrisoria y hueca pomposidad. En síntesis, el objeto de arte llama a ser interpretado por el espectador pero a su vez en su interpretación el observador es interpretado por el objeto en tanto sujeto histórico al que corresponde ese objeto en su ambigua existencia.

Fuente: www.elsigma.com