martes, 29 de junio de 2010

Grandes Diseñadores: David Carson

David Ray Carson, sociólogo que un buen día comenzó a hacer diseño gráfico, nacido en Texas, Estados Unidos en 1956. Carson siempre estaba usando un 5 de cabeza en lugar de una S, usaba un 3 como E, por lo que sus artículos eran díficiles de leer. Esta actitud y sus diseños ha sido muy criticados, pero a Carson parece no importarle y a sus clientes, tampoco.
Sus trabajos más famosos resultaron de la dirección artística que él realizó en las revistas Transworld Skate Boarding (1983-1987), Musician (1988), Beach Culture (1989-1991), Surfer (1991-1992), Raygun, los primeros treinta números (1992). In 1993 funda GarageFonts digital typefoundry como vehículo para distribuir las fuentes usadas en Raygun Magazine.
En 1993, se convirtió en consultor de diseño, entre sus clientes se incluyen; Burton Snowboards, GameNet Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como director fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, Coca-Cola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft.
Considerado un genio por los diseñadores jóvenes y un hereje por los diseñadores más ortodoxos, Carson, es por convicción, un radical del diseño, trata de ser siempre polémico y se divierte con ello. Su trabajo es duramente criticado y catalogado como “ilegible”. Se afirma que sus diseños son más obras de arte y no de diseño cuya función primordial es comunicar. Carson refuta esta idea diciendo que existen diversas formas de comunicar y que el arte también es una forma de comunicación y que un diseñador no puede permanecer pasivo ante diseño, y ser totalmente objetivo. Para él, un buen diseño es aquel que genera una reacción emocional en el receptor, por lo que su trabajo se basa en la intuición más que en el pensamiento puramente racional. Algunos dicen de que sus diseños son ilegibles y que no tienen estructura, otros afirman que sus diseños llegan a la emoción de la gente y que comunican más que texto solo. En sus trabajos, suele combinar distintas tipografías, algunas veces dentro de una misma palabra.
Ha publicado dos libros sobre diseño, The End of Print y 2nd Sight.

En el siguiente enlace encontrarás un video interactivo que muestra distintos diseños de David Carson.
http://vimeo.com/11598443

Y acá encontrarás una entrevista a David Carson que fue realizada durante su estadía en Buenos Aires: http://edant.clarin.com/diario/especiales/Carson/

Fuente: isopixel.net

Tiempo de Recreo y ¡¡¡ANIMACIÓN!!!

En los siguientes enlaces encontrarás un poco de diversión prehistórica.
Aquí podrás ver algunos videos de animación contemporánea inspirados en el Período Prehistórico.

Mejor beber leche: http://www.youtube.com/watch?v=KtdBD2ChmWQ&feature=related

Publicidad de Cablevisión Digital (dino): http://www.youtube.com/watch?v=C_LJjOb3-as&feature=related

Publicidad de Cablevisión Digital (pterodáctilo): http://www.youtube.com/watch?v=NGu5fpjulEI&feature=related

Trailer de la Era del Hielo 2: http://www.youtube.com/watch?v=jWw-3xLiRJE&feature=related

Trailer de Jurassic Park: http://www.youtube.com/watch?v=Bim7RtKXv90

Los Picapiedras (famosa serie animada de la década de 1960), En el Restaurante (Parte 1) http://www.youtube.com/watch?v=V8dzROs4UBM

Los Picapiedras, En el Restaurante (Parte 2) http://www.youtube.com/watch?v=kZFsJhOjVgg&feature=related

Los Picapiedras, En el Restaurante (Parte 3) http://www.youtube.com/watch?v=mJ6ns5nYSkk&feature=related

Los Picapiedras, En el Restaurante (Parte 4) http://www.youtube.com/watch?v=2MGRqZ1kStk&feature=related

Imagen: Pedro Picapiedra y Pablo Mármol, los protagonistas de la serie animada "Los Picapiedras".

¿Cómo Pintaban en el Paleolítico?

Si alguna vez te preguntaste ¿cómo pintaban? ¿cómo hicieron para realizar los dibujos de las Cuevas de Altamira? ¿Qué herramientas usaban? ¿Con qué pigmentos trabajaban? En este enlace encontrarás una demostración de pintura sobre piedra que te aclarará algunas dudas.
http://www.youtube.com/watch?v=Sjp-ClgGhXw&feature=related

Imagen: Paredes de la Cueva de Altamira

Un Interesante Video sobre la Prehistoria y las Cuevas de Altamira

En el Paleolítico Superior, hace entre 18.000 y 14.000 años, la Cueva de Altamira estuvo habitada por poblaciones de Homo sapiens sapiens. La cueva se encuentra situada en la parte alta de una de las suaves colinas que rodean el valle donde se asienta actualmente Santillana del Mar, en Cantabria.

La entrada de la cueva tenía una amplia boca de 20 metros de ancho y seis de alto, que daba acceso a un vestíbulo de unos 200 metros cuadrados. Este espacio era el lugar de habitación, estando iluminado por la luz del día. Aquí se realizaba la vida en torno a hogares, siendo un lugar lleno de actividad y objetos de uso cotidiano.
Sus pobladores vivían de la caza, la pesca, la recolección y el marisqueo. Vestían prendas muy diversas confeccionadas con pieles de animales, que les protegían del clima frío. Su indumentaria no se diferenciaba sustancialmente de la actual: pantalones, casacas, capuchas, chubasqueros, botas...
Sus prendas se adornaban con colgantes y objetos de hueso, conchas o dientes. Para su labor diaria, disponían de numerosos instrumentos en sílex, hueso y asta, especializados para cada uso como cuchillos, raspadores, punzones, arpones, azagayas, agujas, buriles, etc.
El fuego de los hogares les proporcionaba luz y calor, les servía para ahuyentar las fieras y cocinar alimentos. Se iluminaban también con lámparas de tuétano: en un recipiente el tuétano servía como combustible y fibra vegetal como mecha.
El interior de la Cueva no estaba habitado. La cueva en total tiene un recorrido complejo de 270 metros y un trazado irregular a través de varias salas, todas ellas con pinturas y grabados paleolíticos. Se distinguen en ella cuatro partes: el Vestíbulo, la Sala de Polícromos, la Hoya y la Cola de Caballo.
De todas las áreas, la Sala de Polícromos es la más llamativa, por albergar una de las mejores colecciones de arte rupestre del mundo. Esta sala fue considerada por Breuil la Capilla Sixtina del Arte Paleolítico y donde se localizan los famosos bisontes.
En esta sala se conservan bisontes, caballos, ciervos, manos, antropomorfos y signos, pintados y grabados, de los periodos solutrense y magdaleniense.
Las pinturas y grabados están situados en el techo de la sala, cuya altura oscila entre 0,70 y 2 metros. Para confeccionarlos, primero se grababan y dibujaban con carbón el contorno exterior y algunos detalles anatómicos. A continuación, se aplicaba el color rojizo de relleno. Sobre esta masa cromática, se realizaban raspados para separar planos y dar relieve a la anatomía. El empleo del relieve natural y la textura de la piedra ayudan a dar realismo a la figura.
Mucho se ha elucubrado acerca del sentido de las pinturas. Los especialistas consideran que son manifestaciones de alto valor simbólico, pudiendo servir como figuras totémicas, elementos propiciatorios o ritos de fecundidad, entre otras teorías. Actualmente se piensa que, al tratarse de una manifestación cultural tan extendida en el tiempo y el espacio, es difícil hacer una sola lectura sobre el sentido y significado de estas figuras.

En el siguiente link encontrarán el video. Les recomiendo que lo miren atentamente. Es una reconstrucción sobre cómo pintaban los hombres prehistóricos.
http://www.youtube.com/watch?v=0F1GCtIcN4c

Fuente: www.artehistoria.com

Grandes Civilizaciones: Grecia


Los habitantes de la antigua Grecia se llamaban a sí mismos helenos, y a su tierra, Grecia, la llamaban la Hélade. El territorio de la Grecia antigua coincide aproximadamente con el actual, pero para completar el mundo helénico es preciso añadir las costas egeas de Asia Menor, así como las del sur de Italia y la isla de Sicilia. La historia y la cultura griegas están íntimamente relacionadas con el paisaje. La Grecia continental es prácticamente una cadena montañosa que se hunde en el Mar Egeo, cuyas numerosas islas no son más que las cimas de esta cordillera sumergida. Este fenómeno ha dado lugar a unas líneas costeras muy recortadas y abruptas, con abundantes penínsulas y pequeñas islas próximas, además de unos valles interiores cerrados y de difícil acceso. Las llanuras, por el contrario, son escasas y de pequeña extensión.
El nexo de unión de estas diferentes áreas es el mar, vía de enlace de los diferentes territorios y factor de expansión del mundo griego. La escasez de terreno fértil obligará al griego antiguo a buscar nuevas tierras que alimenten a la población sobrante. De ahí la vocación comercial del pueblo heleno o la colonización de nuevos territorios, que caracterizarán a la Grecia antigua.
Pero el paisaje griego, con ser importante, no ayuda por sí solo a explicar el maravilloso legado cultural helénico. El racionalismo como actitud ante la vida, la consideración del hombre como medida de todas las cosas, el amor a la belleza y un elevado sentido estético o la democracia como sistema político, son valores espirituales presentes en nuestro mundo. "Opino que es justo favorecer al pueblo en general en detrimento de los nobles y los ricos, porque es el pueblo quien, al dar los hombres para la marina y el comercio, constituye la fuerza de Atenas. En consecuencia, justo es que participe de los cargos que dependen de una elección", dirá Jenofonte en el siglo IV. Estos valores, sin duda una deuda reconocible con el mundo griego, no surgen de manera repentina, sino que son el fruto de evolución de casi 3.000 años.
Durante estos tres milenios, pueblos diferentes poblaron las tierras de la Hélade. Desde el año 3000 a.C., en que finaliza el Neolítico, hasta el 1100 antes de nuestra Era, se desarrolla la Edad del Bronce. En esta etapa emergen sucesivamente tres grandes culturas. La primera, la Cicládica, tiene como característica principal el desarrollo de un floreciente comercio.
Mucho más importante será la cultura minoica, cuyo núcleo es la isla de Creta. Alrededor del 1900 a.C. surgen grandiosos palacios en Cnosós y Festo, imponentes residencias reales con cientos de habitaciones, algunas de ellas bellísimamente decoradas con frescos vivos y coloristas. Los palacios cretenses señalan la aparición de un poder absoluto, sustentado económicamente por una intensa actividad comercial, basada en el intercambio de suntuosos objetos de artesanía...
Aquí podrán ver un pequeño video, muy interesante, sobre la Civilización Griega.
http://www.youtube.com/watch?v=cyvNgDMZEdw&feature=related

Fuente: www.artehistoria.com

El Partenón como Modelo Arquitectónico del Neoclásico

En el siguiente link encontrarán un pequeño video donde se analiza cómo los arquitectos del período Neoclásico utilizaron al Partenón de la Antigua Grecia como modelo para realizar las edificaciones neoclásicas.
http://www.youtube.com/watch?v=RHX8XarURYA

sábado, 26 de junio de 2010

Grandes Diseñadores: Stefan Sagmeister y el Poder del Tiempo Libre

Dando click en el siguiente enlace podrán ver un video donde Stefan Sagmeister cuenta cómo trabajan en su estudio de Nueva York y por qué suelen cerrar durante un año para desarrollar su creatividad. Está en inglés pero tiene los subtítulos en español. http://www.ted.com/talks/lang/spa/stefan_sagmeister_the_power_of_time_off.html

De Pintores y Pinturas: Joaquín Sorolla y Bastida

Joaquín Sorolla y Bastida, pintor español vinculado al Impresionismo, nace en Valencia en 1863, cuando el movimiento en Francia estaba en pleno apogeo. Sus pinturas por tanto son tardías, pero en ellas reúne las principales características impresionistas como el gusto por el aire libre, la búsqueda de lo momentáneo, de lo fugaz, la captación de los efectos de la luz, la ausencia del negro y de los contornos y las pinceladas pequeñas y sueltas.
Cuando tenía dos años de edad sus padres fallecieron a causa de una epidemia de cólera y son sus tíos maternos quienes se ocupan de él y de su hermana Concha.
Inició sus estudios artísticos con el escultor Cayetano Capuz y después recibió una formación académica en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos. Desde muy joven se aficionó a pintar al aire libre y al empleo de tonos claros y luminosos influido por Pinazo.
En 1884 se presentó al concurso convocado por la Diputación Provincial de Valencia para ser pensionado en Roma. Obtiene la pensión gracias a un cuadro de historia, El grito del Palleter. De ahí se trasladará a París con su amigo el pintor Pedro Gil, donde entra en contacto con el Impresionismo.
Prorrogada su pensión por un año, en 1888 contrae matrimonio con Clotilde García, su mejor modelo y compañera, y se establecen en Asís.
En 1889 se instalan en Madrid, donde comenzó una trayectoria profesional llena de éxitos. De este periodo destacan obras de crítica social, que son demandadas en los certámenes oficiales. Trata de blancas, Aún dicen que el pescado es caro y Triste herencia muestran su compromiso por los desheredados y se advierte ya la preocupación luminista.
En Aún dicen que el pescado es caro, a pesar de tener una temática social, Sorolla hace alusión a uno de sus temas favoritos, los pescadores de su tierra natal, que más tarde pintará en diferentes faenas cotidianas. Vemos a un joven pescador en la cubierta del barco, con el torso desnudo, mientras otro le sujeta por las axilas y un tercero le cura la herida con un paño.


La escena se desarrolla en una barca y pueden apreciarse los pescados en el fondo y diversos utensilios en primer plano. La preocupación por la crítica social no hace que el pintor olvide los efectos lumínicos, produciéndose importantes contrastes entre luz y sombra. La expresividad de los rostros de sus personajes será otra de sus preocupaciones.
En La Exposición Universal de París de 1894 descubre el luminismo de los pintores nórdicos que tanto marcará su obra posterior. Comienza a pintar al aire libre y su paleta va cobrando nuevos matices en su esfuerzo por plasmar la luz en las escenas cotidianas y paisajísticas de la vida mediterránea.
La vuelta de la pesca, llena de luz, supone una instantánea de un episodio de la vida real.
Entre sus temas preferidos hay que destacar su dedicación al paisaje levantino. Realiza continuas escapadas a Valencia, a Javea, para pintar escenas del mar relacionadas con la pesca y la vida de la playa, el baño, los juegos en la arena y los niños.
Siempre hallamos la presencia humana. El gran protagonista es la luz, que hace vibrar los colores y marca el movimiento de las figuras.
En A la sombra de la barca, Valencia, insiste en los temas costumbristas marineros intentando reflejar la caída del sol, buscado fuertes contrastes entre luces y sombras.
Continua con el estudio de la luz del ocaso en El niño de la barquita. Aquí trata el tema de la playa, con el que surgen los temas infantiles que ya había tantado con anterioridad entremezclados con las escenas de pescadores. Otro ejemplo es Pescadora con su hijo, Valencia.
Nadadores, Javea representa a niños y adolescentes en los acantilados.
En Niños en la playa, tres niños aparecen tumbados en la playa, cerca de la orilla. Las expresiones de los rostros transmiten la atmósfera del Mediterráneo. Los cuerpos desnudos son una excusa para tratar la luz y la sombra. No utiliza el negro para las sombras, sino que emplea los malvas, blancos y marrones siguiendo las consideraciones impresionistas.
Paseo a orillas del mar recoge a su mujer y a su hija mayor paseando por la playa con una paleta brillante y vitalista. Capta la brisa del mar a través del movimiento de la indumentaria.


Sorolla viajará por distintas regiones de la geografía española para pintar diferentes paisajes. Se interesó por la ferocidad del mar cantábrico, tan diferente de su mediterráneo. Instantánea de Biarriz, Rompeolas, San Sebastián o Bajo el toldo, playa de Zarauz.
Al descubrir los jardines de los Reales Alcázares de Sevilla, comienza a tener gran importancia el tema del jardín en su producción. Ejemplo: Fuente del Alcázar de Sevilla.
En El patio de los Comares, la Alambra de Granada y en Alberca del Alcázar de Sevilla su pintura se hace más sintética, tiende a esquematizar las formas para representar sólo lo imprescindible, de forma intimista.
Su popularidad se extendió por toda Europa, realizando exposiciones en París, Berlín, Colonia, Londres y finalmente en varias ciudades de Estados Unidos.
En Noviembre de 1911 firmó un encargo para la Hispanic Society of America para realizar catorce murales que decorarían las salas de la institución. Son representaciones de las gentes y costumbres de las diversas regiones de España. Sorolla se enfrenta a un proyecto mural de proporciones gigantescas. Viajó constantemente por todo el país buscando lo más peculiar de su indumentaria y sus costumbres.
En 1920 sufrirá un ataque de hemiplejía que lo deja invalido del lado izquierdo y tres años más tarde, en 1923, fallece en Cercedilla (Madrid). Por deseo de su viuda, Clotilde García del Castillo, la vivienda familiar y las colecciones que a ella pertenecieron fueron donadas al Estado Español para crear un museo en memoria de su marido.

Fuente: www.arteespana.com

Claves de Estilo: El Rococó

El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.

Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.
Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia.
Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo en Alemania y Austria y se seguirá desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo.

Defición del Arte Rococó
El término rococó proviene de la palabra francesa "rocaille" (piedra) y "coquille" (ostra), elementos de gran importancia para la ornamentación de interiores.
Lo importante es la decoración, que es completamente libre y asimétrica. Muestra su predilección por las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales.

Características del Rococó
En arquitectura, los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en el interior la decoración se desborda. El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes y en la asimetría. Alcanza mucha difusión el gusto chino, que había entrado en Europa con las piezas de porcelana, telas o lacas, y que decorará los salones occidentales con sus temas más representativos.
En pintura, los temas más abundantes son las fiestas galantes y campestres, las historias pastoriles, las aventuras amorosas y cortesanas. Las composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan los colores pasteles, suaves y claros. La mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es la figura bella y sensual.

Imagen: "El Columpio" de Fragonard.
Fuente: www.arteespana.com

jueves, 24 de junio de 2010

Arte Rupestre: Un Medio de Comunicación

Los cazadores-recolectores del Paleolítico Superior formaban comunidades de grupos reducidos que vivían de la caza, de la pesca, de la recolección de alimentos silvestres, frutos secos (piñones, nueces y otros), raíces, setas, insectos, etc. El hombre todavía tenía que competir con otros predadores como por ejemplo el oso o el lobo y su modo de vida era un nomadismo restringido que implicaba desplazamientos estacionales en función de los recursos aprovechables dentro de un amplio territorio. Esto no le permitía grandes acumulaciones de posesiones materiales. Aquellas sociedades donde todos los bienes eran propiedad común y el reparto de los alimentos se hacía de forma igualitaria se basaron en un comunismo elemental que implicaba como base de las relaciones sociales la solidaridad. En aquellos tiempos del Paleolítico Superior no existieron ni esclavos ni guerras porque nadie podía sacar provecho de tales cosas. Grupos de distintos territorios incluso se necesitaban mutuamente para el intercambio de materias primas, cacerías colectivas y para evitar la consanguinidad (propiciar parejas).

Las cuevas que decoraron se han localizado desde el sur de España y Portugal hasta Rusia, con una frecuencia de distribución muy desigual. Mientras en muchas regiones se trata de casos aislados, destacan el norte de España y los Pirineos franceses por la gran abundancia. Pero el arte del Paleolítico Superior no se limitó solamente a representaciones bidimensionales, también incluye la escultura como p. ej. las famosas «venus», representaciones femeninas de pequeño tamaño. Las más antiguas de estas figuras y el arte parietal aparecen hace poco más de 30.000 años, durante el proceso de sustitución de los neandertales por el hombre moderno.
Composiciones abstractas de signos y símbolos y la ausencia por ejemplo de representaciones de plantas, astros y paisajes dejan claro que el arte paleolítico no es una simple acumulación de observaciones de la naturaleza. Cuevas decoradas que aparentemente no fueron habitadas, figuras intencionadamente incompletas o ambiguas, el número limitado de especies representadas y otras observaciones originaron la opinión generalizada que ve en estos lugares santuarios. Aspectos, como los cánones estilísticos aplicados en la representación de ciertas especies y otros dejan incluso pensar que los artistas no plasmaron en las paredes de las cuevas el entorno real, sino un mundo sobrenatural.

La práctica de no dibujar la silueta entera de las figuras era muy frecuente. En estos casos, lo que falta no viene señalado por el pigmento de la pintura o por el surco del grabado: es el relieve de la roca madre el que completa la imagen. En muchos casos da la impresión de que el animal sale de la misma pared de la cavidad. Un magnífico ejemplo es la Cueva del Moro que también demuestra que el arte parietal paleolítico no se desarrolló exclusivamente en cuevas profundas y oscuras. En esta estación llega la luz del día hasta los grabados que se agrupan alrededor de una formación natural que se asemeja a la cabeza de un caballo en alto relieve.
Sabemos poco de la vida cultural (ritos, creencias, tradiciones, etc.) y el comportamiento social del hombre prehistórico y no tenemos la máquina del tiempo que nos permita preguntar a los propios artistas sobre el significado y el porqué de las imágenes. Existen muchas teorías que tratan de dar una explicación. Hay que recordar que una interpretación siempre es arriesgada porque también tratamos un puzzle incompleto. Han desaparecido figuras y paneles enteros a causa de la erosión, derrumbamientos y otros factores naturales.

Las teorías más difundidas ven en las representaciones paleolíticas elementos de una magia propiciatoria para la caza, signos de una magia de fecundidad, o un arte por amor al arte, por nombrar algunas. Pero ninguna da una explicación satisfactoria para todos los elementos representados. Si se trata por ejemplo de una magia para conseguir buenos resultados de caza, una hipótesis muy racional para tribus de cazadores-recolectores, ¿ por qué se han plasmado en otras cuevas también animales que difícilmente formaban parte de la dieta diaria, como por ejemplo leones? De los pueblos que todavía realizan pinturas (bosquimanos de África del Sur, aborígenes australianos y otros) sabemos que este arte tiene objetivos religiosos o mágicos. Muchas veces se comunica de esta manera mitos, leyendas o acontecimientos de su propia historia.
El hecho de que no existan representaciones de plantas y animales que también formaban una parte importante de la dieta del hombre, hace pensar que las representaciones parietales no tenían que ver sólo con la preocupación de llenar el estómago. Esto viene corroborado por los resultados de numerosas excavaciones que demostraron que los animales más representados no siempre fueron los más capturados.

Parece que cada grupo cazador-recolector escogió los temas según razones religiosas y culturales, y la composición singular de figuras y signos en cada una de las cuevas nos impide cualquier generalización. La forma de vida y las preocupaciones de distintas poblaciones eran muy diferentes. Los grupos de zonas cercanas a los glaciares por ejemplo tuvieron que emplear otras estrategias de caza que los del extremo sur de la Península. Por eso existen también diferencias entre el bestiario representado en las cuevas de Cantabria y de la provincia de Cádiz donde había un clima templado, incluso durante las épocas glaciales.
Dada la imposibilidad de poder demostrar que el arte rupestre tenga una relación única y clara con la caza, la religión, la reproducción u otro concepto, tenemos que admitir que difícilmente es posible su explicación mediante teorías simplistas. Tenemos que aceptar que el arte rupestre es sobre todo un medio de comunicación, formando parte de un proceso complejo de transmisión y recepción de ideas, información y mensajes como fenómeno paralelo al habla y al lenguaje corporal del ser humano.
Es de suponer que la comunicación mediante imágenes fue utilizada por el hombre del Paleolítico en contextos muy diferentes. La importancia de la comunicación y de la expresión en la supervivencia biológica ya fue demostrada por Charles Darwin. Los elementos pictóricos pueden tener una relación con conceptos tan distintos como por ejemplo la transmisión del saber y experiencia de una generación a otra (enseñanza), difusión de ideas, información con el fin de inducir o intensificar actitudes y acciones específicas, mantener el orden jerárquico del grupo o simplemente dejar constancia de la existencia del hombre, de sus mitos, leyendas, historia o mundo espiritual. Fuera cual fuera el objetivo de cada objeto del arte rupestre, la razón de su existencia implicaba el intento de persuadir a través de los sentimientos o de la razón.

A pesar de todo el arte rupestre es una realidad física que se puede y debe documentar, analizar y clasificar : medir tamaños de pinturas y grabados, estudiar las composiciones químicas de los pigmentos, determinar edades, comparar estilos y técnicas, examinar el entorno, relacionar las manifestaciones artísticas con el registro material de excavaciones, etc. Estudiando cada figura y símbolo en detalle, no se debe perder de vista el conjunto y posibles relaciones de distintos componentes que incluso pueden formar escenas de gran interés. Las expresiones artísticas no pueden ser desligadas tampoco del ambiente social, ideológico y económico que las produjo. Tenemos la obligación moral de difundir este importante legado histórico, protegerlo y conservarlo para futuras generaciones.

Nota: El arte rupestre de los cazadores y recolectores del Paleolítico Superior ya era un medio de comunicación: un medio de difusión de ideas a través del tiempo mediante imágenes. Una interpretación es muy difícil porque el conocimiento del significado de cada signo se ha perdido con el paso de los milenios. Si analizáramos en este contexto el medio de comunicación más difundido hoy, la televisión (con imágenes móviles y con sonido), llegaríamos a la conclusión de que es el vehículo principal de la propaganda de los gobernantes y de empresas multinacionales. De hecho, no se usa para la difusión del saber o los valores humanos, sino para atontar a las masas. Ha quedado demostrado que la televisión influye, de forma decisiva, sobre los puntos de vista y el criterio de la audiencia. Por eso, todos los regímenes totalitarios se caracterizan por un monopolio de los medios de comunicación. Los puestos de trabajo dependen directamente de la lealtad a la ideología impuesta por el gobierno. Si la información veraz es la primera víctima de toda guerra, la desinformación se ha convertido, de manera oficial en los países de la OTAN, en arma a disposición de los militares. Lo denunció el 19-02-02 el prestigioso "New York Times", que define la misión de la llamada Oficina de Información Estratégica (EEUU), como la de encargarse "del suministro de noticias falsas como parte de un esfuerzo para influir en la opinión pública y sus gobernantes".

Fotos: 1. Cueva del Moro: cabeza de yegua preñada; 2, 3 y 4. Cueva de Altamira.

Fuente: www.arte-sur.com/

Alberto Rex González: El Pasado Ejerce una Atracción Magnética

Por: Liliana Morelli
Fotos: Norberto Melone.

Es el patriarca de la arqueología argentina, a la que contribuyó al fechar y datar en el tiempo culturas enteras. Desidias y hallazgos.



En su sillón de lectura consume el día, leyendo con avidez y escuchando al cubano Bebo Valdés y a los clásicos, en un equipo de música mínimo. Lo rodea una biblioteca atiborrada, su escritorio antiguo y un fichero dividido por regiones geográficas, y aquí y allá, esculturas y cuadros con figuras en relieve sobre papel de arroz, obras de su mujer, Yi Montes.
Alberto Rex González, con sus ojos grises sin tiempo, es un recuperador de historias y pueblos desaparecidos. Médico cirujano, torció el rumbo y se doctoró en Antropología en la Universidad de Columbia. Desentrañó suelos y cavernas, fue Jefe de Arqueología del Museo y la Facultad de Ciencias Naturales de La Plata, director nacional de Antropología en 1984 y del Museo Etnográfico de la UBA.
Sus trabajos de campo permitieron reconocer la antigüedad de las culturas prehispánicas en el noroeste argentino, y como docente en las universidades del Litoral, Córdoba y La Plata incorporó el estudio del arte precolombino y la teoría sobre la evolución cultural del hombre. Académico visitante en Harvard, reseñó su vida en un libro, "Tiestos dispersos" (Emecé), que deja a la intemperie ciertos desatinos de la historia nacional.
Noticias: Cuando mira su vida en perspectiva, ¿advierte un hilo conductor, que une los tiestos con una coherencia?
Rex González: Todos los fragmentos de mi vida están relacionados con la arqueología, que me hizo vivir un mundo de asombro, de incógnitas nunca resueltas del todo. Desde muy chico tuve una atracción casi magnética por el pasado.
Noticias: Los seres, las especies y las civilizaciones están sujetos a un final. ¿Un hallazgo implica, en cierto modo, revivirlos?
Rex González: La arqueología reconstruye historias, un hallazo produce una tremenda emoción. Luego, hay que ubicarlo en un momento temporal. Durante 60 años estudié una cultura del noroeste argentino que bauticé de La Aguada, y debía tener claro cuando empezó, cómo se formó a partir de culturas precedentes, se desarrolló, decayó y desapareció, reemplazada por otra.
Didáctico y campechano, el día anterior dio una charla en el Museo Etnográfico con el antropólogo holandés Tom Zuidema. Muestra reproducciones de dos piezas de la cultura de La Aguada y explica: "Esta deidad solar, el disco de Lafone Quevedo, es la pieza más famosa de la arqueología argentina. Y este disco de bronce hallado en Chile me resultaba difícil de intepretar, supuse que sería un calendario astronómico. Zuidema lo estudió y confirmó que es un calendario solar, semejante al de los incas".
Autor de un centenar de libros y monografías, Rex González lamenta no haber registrado las historias de su abuela paterna, cuando su padrino el general Eustaquio Frías, veterano de la independencia del Alto Perú, jugaba con ella en su estancia bonaerense.
Noticias: ¿Su abuela era la transmisora de la memoria familiar?
Rex González: En cierto modo sí, era la que tenía más raíces en esta tierra. Mi viejo era séptima generación criolla, de origen andaluz, y pudo tener algo de judío o musulmán. Gente humilde, en un pueblecito cerca de Pergamino, el Fortín de Rojas, que fue línea de frontera. Qué no daría hoy por tener esos relatos…
A los 11 años supo ser arriero y cazar aves, y aprendió taxidermia consultando libros ("Embalsamé unos flamencos que eran pura cabeza y apuntando para un solo lado, un desastre. Con los patos era más fácil, tienen un cuero muy grueso"). Absorbió el apego a la tierra de la rama paterna, y las costumbres del abuelo genovés que llegó casi analfabeto. Vivir en Pergamino lo ayudó, era una zona de fósiles ("Se asentaba en sedimentos cuaternarios riquísimos en una fauna de grandes mamíferos extinguidos. Pero la gente se dedicaba al campo, quería progresar, no le importaba el pasado").
Noticias: ¿Leer a Ameghino y a Darwin le marcó la ruta?
Rex González: Me encaminé hacia la paleontología con un mentor científico puramente teórico: admiraba a Ameghino, un evolucionista. Leer sus obras y la teoría de Darwin me impactó. Yo era muy religioso, tendría 10 años y me convencí de que el Génesis era un mito: había una evolución de la tierra y del cosmos, de la biología y el hombre. La verdad revelada fue desplazada por la constatada científicamente. Ameghino sostenía que junto a los fósiles últimos había llegado el hombre a la provincia de Buenos Aires, y me interesó la antigüedad del hombre y sus restos arquelógicos.
Luego vivió en Río Cuarto, y en las barrancas encontró restos de antiguos paraderos indígenas: instrumentos, puntas de flecha, raspadores y adornos de hueso para la vestimenta. Su amigo Carlos Mones lo acompañó en su primera recolección arqueológica, en Villa de Soto, Córdoba. Las aguas de las represas estaban contaminadas y Mones enfermó de tifus. Lo atendió un médico que vivía en Cruz del Eje, Arturo Illia, pero no pudo salvarlo.
Noticias: ¿Siguió tratándose con el doctor Illia?
Rex González: No, circunstancias aleatorias me volvieron a conectar, cuando fui a España invitado al Congreso Internacional de Americanistas. Conseguí una entrevista y le pedí que me autorizara a proponer al país como próxima sede. Y el Congreso se hizo, para mal de mis pecados; era la época de Onganía y en cualquier profesión lo peor son las internas con los colegas…
Noticias: ¿Tuvo que pelear a menudo con esas mezquindades?
Rex González: Eso está descontado, en cualquier actividad cuando levantás un poco la cabeza ves pasar los proyectiles.
Con un diploma de médico y trabajos publicados sobre sus hallazgos arqueológicos, una beca lo llevó a la Universidad de Columbia. Pagó el pasaje a Nueva York ejerciendo su profesión en el barco. A la vuelta, el arqueólogo había devorado definitivamente al médico. "El trabajo de campo tiene cierta similitud con la cirugía, en la minuciosidad y la técnica. El equivalente del bisturí y la pinza de Kocher son el cucharín y la escobilla para ir limpiando."
Al regresar al país, en 1948, se incorporó al Museo de La Plata y debutó con una expedición a la Patagonia, dirigida por uno de los arqueólogos más prestigiosos. "En esta profesión hay que avenirse a vivir en carpa, comer y bañarse mal, y a este señor le gustaba la buena mesa, sobre todo el buen vino (ríe). No había ni siquiera un mal hotel y nos mandaron a los galpones de la Sociedad Rural. Se horrorizó, y eso que le tocó el box del toro campeón. Llegamos a las Cuevas de las Manos y me dijo: ‘González, si sigo así me vuelvo loco, regreso a Comodoro’. Se perdió los mejores hallazgos de la expedición".
Noticias: En esa época los arqueólogos no excavaban…
Rex González: Mandaban a los peones, que limpiaban las urnas y descubrían las piezas. Me di cuenta de que la arqueología se reemplazaba por el estudio de las crónicas y todo lo que se encontraba se atribuía, por ejemplo, a los diaguitas.
Noticias: ¿Cuál fue el trabajo más emocionante?
Rex González: El de la gruta de Intihuasi, en San Luis. Se afirmaba que sus restos eran contemporáneos a los pueblos de la época de la Conquista. Yo encontré una superposición de culturas, todas de cazadores de guanacos y ciervos, recolectores de huevos de avestruz y frutos de algarrobo, de eso vivían. Con el estrato más antiguo se hizo el primer fechador de carbono radioactivo en la Argentina y uno de los primeros en Sudamérica. Resultó que data de 6 mil años antes de Cristo.
Noticias: ¿En qué consiste esta técnica, que permite fechar correctamente la antigüedad de cada cultura?
Rex González: Se basa en los isótopos del carbono 14 y se aplica sobre materia orgánica (una pieza de madera, cuero, un textil, carbón de los fogones o un cuerno de ciervo), que se mandaba a un laboratorio en los Estados Unidos.
Noticias: ¿Qué le impactó más en la expedición organizada por la Unesco para rescatar restos a lo largo del Nilo?
Rex González: En Egipto me tocó excavar un templo meroítico de comienzos de la era cristiana, y todo lo que encontrábamos ya era conocido. Es más importante trabajar en Catamarca, La Rioja: hay zonas vírgenes y resolver los problemas e interpretar impulsa al arqueólogo.
Noticias: En China investigó si hubo contactos entre esa cultura y las de América precolombina...
Rex González: Confirmé que hay aspectos que se repiten y son universales, como poner una pieza de jade en la boca del muerto para que lo acompañe en la otra vida, el llamado "óbolo de Caronte", habitual en China, México, los mayas, y la prehistoria europea. Hubo un contacto entre culturas o la mente humana es igual, aún se discute.
Noticias: Su libro revela la destrucción de riquísimos yacimientos arqueológicos en Tafí del Valle, Tucumán, para cultivar papas.
Rex González: Se destruyeron centenares de sitios. En el campo del Pucará, en Catamarca, fue arrasada una enorme cantidad de restos de la cultura Condorhuasi-alamito, de gran complejidad al comienzo de la era cristiana.
Noticias: También cuenta que la burocracia estatal cajoneó el proyecto para atender a una viejita patagónica, la última persona viva en hablar el dialecto teush.
Rex González: Beltelshum tenía 90 años y podía recordar la guerra entre tehuelches y mapuches. Tendría que haber ido un lingüista y grabar su vocabulario, yo no sé hacer transcripciones fonéticas. La discusión era: ¿a quien pertenecía Beltelshum, al Museo de La Plata o al de Buenos Aires? Ese invierno la viejita murió de neumonía y se llevó el lenguaje a la tumba.
Noticias: Durante la dictadura fue removido del Museo y eliminado tres veces de cargos obtenidos por concurso en la universidad. ¿Su materia era subversiva?
Rex González: Eso dijo un ministro la primera vez. No tuve militancia política, pero enseñaba como teoría fundamental el evolucionismo cultural y el evolucionismo biológico darwinista, y ellos eran tan católicos…
Noticias: ¿Cuántas campañas arqueológicas hizo?
Rex González: Todas las que pude, según los fondos que conseguía. Ésta es una ciencia cara, hay que movilizar y mantener un equipo y varios peones.
En medio siglo de investigaciones nunca tuvo un vehículo oficial a disposición, solía usar el propio. Los presupuestos, dice, eran muy pobres. ("Una vez, en el Museo anoté entre los gastos de alimentación una caja de dulce de membrillo. Me dijeron que no y lo tacharon. ¿Sabe lo que es que un peón analfabeto tenga que hacer un recibo por triplicado, por dos día de trabajo?").
Contó, en cambio, con una compañera insustituible: su mujer Yi. La conoció a través de su padre, el ingeniero Aníbal Montes, que trabajó en el Archivo Histórico de Córdoba y con quien salía a hacer trabajos de campo. "Gigí era su hija menor, graduada en Arte. Una compañera extraordinaria: en Sudán vivimos tres meses en ranchos de barro y bañándonos en unos tachos. En Salta pernoctamos en cavernas, con vampiros y murciélagos. Yi hizo miles de dibujos para mis trabajos".
Noticias: Cuando ella murió usted malvendió su casa y liquidó su biblioteca con más de 6.000 volúmenes, ¿pensó en el suicidio?
Rex González: Todos los suicidas tienen una depresión muy grande. Pero por pudor personal, no quiero hablar de eso.
Noticias: Tiene dos hijas antropólogas, dos sucesoras calificadas…
Rex González: María Soledad, antropóloga social, trabaja en el prestigioso Colegio de México. Y Ana Isabel acá, en la Secretaría de Derechos Humanos, sobre todo con indígenas. Son muy activas, Yi era muy feminista y salieron igual.
Noticias: ¿Y eso es bueno o es malo?
Rex González: Y, depende… un tipo que tiene que soportar tres feministas en la casa trabaja en minoría (sonríe). Por suerte ninguna salió arqueóloga: hubiera cargado con mi herencia.
Noticias: En el balance final, ¿las ingratitudes fueron compensadas por las gratificaciones?
Rex González: No gratificaciones económicas, he vivido muy modestamente. Si hubiese ejercido como médico o me hubiese dedicado a criar vacas… Pero yo hacía lo que me gustaba. Mi vida estuvo plena de sentidos, y si tuviera que empezar, volvería a ser arqueólogo.

[Publicado en "Revista Noticias" Año XXII, N° 1529, Buenos Aires, 14 de abril de 2006.]

Cueva de las Manos: Patrimonio Cultural de la Humanidad

Rodeado en cientos de kilómetros sólo por el constante rumor del viento patagónico, se abre el Cañadón del Río Pinturas.

Allí, entre los pliegues de sus altos paredones, se descubre el arte rupestre de Cuevas de las Manos, donde pobladores de 9.000 años atrás sellaron su arte y su testimonio de vida.
Su fama no es por nada. Esas manos, guanacos y figuras geométricas estampados en la piedra de la cueva constituyen la más antigua expresión, que se tenga conocimiento, de los pueblos sudamericanos. Así lo entendió la Unesco, cuando en 1999 lo nombró Patrimonio Cultural de la Humanidad.
Su ubicación, solitaria, en medio del noroeste de la estepa santacruceña, le permite conservarse casi intacta. El pueblo mas cercano, Perito Moreno, está a 163 kilómetros de allí. Y mas allá, ya cerca de la cordilera, se encuentra Los Antiguos, que era el lugar de descanso de los ancianos de las desaparecidas tribus indígenas. Toda esta zona y no sólo la Cueva, incluido el Parque Nacional Perito Moreno (que no debe confundirse con el Parque Nacional los Glaciares, que conserva al Glaciar Perito moreno) es un riquísimo sitio arqueológico y paleontológico. Los valles, cañadones, lagos y ríos que la componen cobijan celosamente pinturas rupestres y distintos tipos de yacimientos arqueológicos de hombres que caminaron sus campos 14.000 años antes de Cristo. Y entre las hierbas, los fósiles testimonian el mar que fue esta región mucho antes que ese hombre antiguo la habitara.
De hecho, la localidad de Perito Moreno es llamada la Capital Arqueológica de la Provincia de Santa Cruz.
Las cuevas del río Pinturas guardan obras realizadas por los indios Tehuelches y sus antecesores. Su antigüedad es de 9.300 años, según investigaciones realizadas. Se observan, además de manos intadas en negativo, imágenes de guanacos, dibujos geométricos, agrupamientos de líneas, puntos y figura solar. La mayor congregación se encuentra en la cueva propiamente dicha, de Las Manos, que tiene 24 metros de profundidad, 15 metros de ancho en la entrada y alrededor de 10 metros de altura hasta el comienzo de la visera. A ambos lados de la entrada, existen pequeños espacios a plena luz, aunque parcialmente protegidas por la proyección de las viseras.
Los aleros están formados por salientes que protegen las pinturas del viento y del sol.
Comprende tres niveles culturales, estimándose que abarcan desde el 7370 a.C. al 1000 de nuestra era. Aunque esta apreciación es relativa, puesto que la realización de las pinturas pudo haber tenido lugar en breve lapso, en forma casi sincrónica o muy distanciadas en el tiempo.
El color de las improntas de las manos negativas dependía de la obtención de la materia prima cercana a cada yacimiento, pero en su mayoría son en rojo (hematita), blanco (caliza), negro (manganeso o carbón vegetal), y amarillo (limonita u ocre amarillo).

Fuente: www.patagonia.com.ar

Arte Rupestre: Gritos Silenciosos y Oídos de Piedra

Lic. Christian Vitry

No muy lejos de la capital salteña y del bullicio alocado de la ciudad, un grupo de silenciosas personas caminan a paso lento por una estrecha senda de herraduras, con sus miradas perdidas en la profundidad del tiempo y sus corazones sensibilizados por íntimas convicciones de desbordante religiosidad, avanzan con destino a una hoquedad esculpida por la naturaleza, es un alero plagado de hermosas pinturas rupestres. El calendario agrícola (muy diferente al gregoriano nuestro) les indica que es el momento de concurrir a ese lugar y actuar de la manera que sus padres y abuelos les enseñaron por medio del ejemplo. Tal vez no sepan el "real" significado de lo que hacen, pero sus tradiciones y respeto por lo pasado van más allá de toda "racionalidad".
Demetrio Vilte es un vital anciano, y evidentemente el líder natural del grupo, liderazgo adquirido por sus años, o ganado por derecho propio, o tal vez, heredado de sus ancestros.
Su apellido está indicando algo, "bilti" en la ya desaparecida lengua de los diaguitas quiere decir "Halcón", un ave rapaz imponente, soberbia, que seguramente fue importante para los antiguos, como lo fue el cóndor, el puma, el zorro y otros animales que se ven reflejados en los dibujos de la alfarería, el arte rupestre y en muchos de los apellidos americanos que se han conservado hasta el presente. Tal vez Demetrio Vilte tenga el poder y facultad de entablar contacto con los dioses, posiblemente provenga de un linaje de yatiris o shamanes...lo cierto es que ese senil hombre es el referente de todo un grupo que lo admira y respeta.
La espesura y densidad del espinoso monte dan lugar a la luz que se refleja en las amarillentas y verticales formaciones rocosas que los geólogos denominan "Formación Yacoraite", los peregrinos prosiguen su marcha sin detenerse por el arenoso cauce de un arroyo seco ; luego de un tiempo, los escuetos y esporádicos diálogos se esfuman por completo, solo se sienten las aves y el sonido de los pasos por la arena.
El grupo se detiene en un lugar especial, de sublime e indescriptible belleza. Jorge, hijo mayor de Demetrio, se dirige hacia el gran paredón rocoso despejando la maleza a machetazos, abre un sendero y regresa. Nadie habla, todo parece fríamente planificado, matemáticamente se van aconteciendo las cosas, durante minutos el único sonido era dibujado por el viento. Demetrio Vilte es el primero en acercarse al alero donde se encuentran las pinturas rupestres, se arrodilla y las contempla detenidamente, sus negros ojos rebalsan y un hilo de agua surca su curtida cara hasta desaparecer. Inclina la cabeza hacia el piso, estira sus brazos y deposita la ofrenda que ha preparado su familia, su gente, su pueblo...escupe la coca y enciende un cigarrillo que deja junto a la ofrenda, destapa una botella de ginebra y vierte casi todo su contenido mientras balbucea algo, da un sorbo y deja la botella parada en la arena.
Lentamente se levanta mientras todos lo observan en profundo silencio. La escena la repiten otras personas más jóvenes mientras Demetrio contempla desde un costado.
Una vez finalizada esta "ceremonia", especie de comunión con la tierra y sus raíces, el grupo se encolumna por la senda y se aleja lentamente, con la satisfacción de haber cumplido una vez más esta suerte de pacto con las deidades telúricas.
En la provincia de Salta como en muchas otras, todavía subsiste en algunos sitios aquella vieja costumbre de concurrir a esos espacios sagrados, lugares de los antiguos, donde hay dibujos de losantepasados que son respetados y cíclicamente venerados. Costumbre que inexorablemente se perderá dentro de no mucho tiempo, es lamentable decirlo en esos términos, pero la experiencia nos indica que ese es el destino que han sufrido y sufren las creencias, historias, tradiciones y patrimonio cultural en nuestra desaprensiva América desde hace siglos. Por mirar tan lejos perdemos la visión cercana, por pensar en términos de otras culturas, nos olvidamos de la propia. Demetrio Vilte y su gente pronto serán historia y esas bellas pinturas, que como vemos, significan mucho más que una mera expresión artística, cuando sean "descubiertas" serán profanadas por la civilización y el modernismo.

Qué es el Arte Rupestre?
Para poder valorar la riqueza cultural que estamos perdiendo es necesario conocerla, saber de qué se trata, es decir, qué es en realidad el ARTE RUPESTRE ?
En forma genérica y muy grosera se puede decir que el arte rupestre es la acción de grabar o pintar (utilizando diferentes métodos) sobre una superficie rocosa. Arte Rupestre se encuentra en todo el mundo y la profundidad temporal es realmente increíble, los grabados mas antiguos hallados hasta la fecha, son los que se encuentran en el continente australiano y que fueron fechados en 40.000 años antes del presente ! Existen manifestaciones de arte rupestre de periodos históricos y también contemporáneos ; actualmente los aborígenes australianos siguen pintando en los aleros de sus antepasados.
Los folletos turísticos y otras publicaciones suelen emplear términos que terminan confundiendo a la gente en lo que a nomenclatura se refiere. Por ejemplo se habla de pictografías, petroglifos, pictoglifos, geoglifos, pituras, grabados y otros, para referirse a las manifestaciones de arte rupestre sin hacer una distinción en cada caso, o inclusive utilizándolos como sinónimos. Para aclarar y simplificar, clasificamos en tres grandes grupos a dichas manifestaciones : 1) Petroglifos, 2) Pinturas Rupestres y 3) Geoglifos ; a todos en forma genérica los denominamos "Arte Rupestre".
Los Petroglifos, son aquellas figuras o dibujos que fueron grabados sobre la roca aplicando medios mecánicos como la percusión, lograda por golpes directos o indirectos (con cincel) que producen una diferencia del microrelieve rocoso, los dibujos logrados con esta técnica se suelen decir "picados". Muy común son los dibujos obtenidos por medio del raspado o frotado, que se logra utilizando una piedra u otro instrumento, técnica muy usada por ejemplo en Santa Rosa de Tastil (Salta). Dentro de los petroglifos tenemos a las esculturas, como el caso de los "menhires" de Tafí (Tucumán) ; a las cúpules o tacitas son concavidades redondas sobre las rocas, parecidas a morteros de moler, pero generalmente mas pequeñas y a veces sobre superficies inclinadas. Entre las interpretaciones que se les atribuye a las tacitas, tenemos las de ser lugar para depositar ofrendas, morteros para moler pigmentos, o bien morteros para moler sustancias alucinógenas y que se usaban frecuentemente en ceremonias propiciatorias.
Similares a las tacitas son las depresiones rectangulares y los morteros, también considerados petroglifos. Por último tenemos los llamados polissoirs o rocas de afilar y son surcos producidos por el efecto de afilar instrumentos de piedra. Muchos investigadores prefieren separar lo utilitario (morteros, polissoirs) de lo artístico, no obstante, en muchos casos se presentan combinaciones fabulosas que es imposible aislar una cosa de la otra ; por ejemplo un mortero (aparentemente utilitario) aparece con sus bordes grabados, o bien, en un lugar central que dota de sentido a todo un conjunto de grabados.
Las Pinturas Rupestres, son aquellas figuras logradas por la aplicación de pigmentos de diferentes colores y orígenes y que fueran preparados con aglutinantes acuosos o aceitosos.
La forma de aplicación fue muy variada, así tenemos por ejemplo el uso de pincel, el cual era confeccionado con fibras vegetales, cabellos, telas, lanas o plumas ; se usaba para pintar también los dedos ; por último, una técnica que fuera muy empleada en la Patagonia (Cueva de las Manos) es el sopleteo, en la cual se rociaba la pintura directamente con la boca o a través de un tubo. Finalmente tenemos los Geoglifos, que son figuras dibujadas en grandes superficies de la tierra, como el caso de las figuras de Nazca las cuales solo pueden ser apreciadas desde el aire.
Otro caso típico se manifiesta en el desierto de Atacama (Chile) donde las laderas de las áridas montañas se ven "adornadas" con enormes y bellos dibujos, los cuales se conservaron hasta la fecha debido a la ausencia de lluvias. Las técnicas empleadas para "dibujar" en estos casos, consisten en acumular o despejar piedras de determinados sectores, combinando ambas acciones y jugando con las diferentes tonalidades de las rocas y soporte donde estas se apoyan.
Luego de ver técnicamente la variedad y riqueza de las manifestaciones de arte rupestre, surge casi espontáneamente la pregunta del porqué se realizaron tales o cuales figuras y si todas tienen explicación. Resulta muy difícil para la arqueología inferir solamente en base a los dibujos, es necesario saber, mediante las excavaciones científicas el contexto en el cual se generaron, o sea, cómo vivían esos hombres, cual era su nivel tecnológico, qué comían, qué clima imperaba en la región, que flora y fauna eran características y otras muchas "piezas" más que, como un rompecabezas se empieza a armar con la labor arqueológica ; si pocos son los elementos que se disponen para poder conocer aspectos de una cultura desaparecida ; mas escasos aun son aquellos que están cargados de simbolismo y que expresan ideas, vivencias o estados especiales del artista o su sociedad. En este sentido, es factible que el arte rupestre sea una de las mas importantes fuentes de información de la humanidad prehistórica ; a través de ella podemos "ver" retrospectivamente a nuestros antepasados, gracias a la labor casi detectivesca de los arqueólogos y demás investigadores del arte rupestre o comúnmente llamados rupestrólogos.
Los arqueólogos Schobinger y Gradín expresan con gran claridad que "El estudio del arte rupestre tiene un interés múltiple : a más de los aspectos técnico y estético, el de la revelación de indumentarias y costumbres, se halla fundamentalmente el aspecto psicológico (en sentido amplio), a su vez relacionado con el ecológico ya que, a diferencia de lo que suele suceder en el arte mobiliar, los grabados y pinturas rupestres se hallan insertos en un paisaje, y en una íntima relación con él. Constituyen el reflejo de una mentalidad, de experiencias psíquicas proyectadas en un entorno natural, una "impronta" del hombre -como ser creativo- en la inerte materia pétrea, que así cobra una especie de vida susceptible de transmitirnos algo de la espiritualidad prehistórica (y por lo tanto, de nuestras propias raíces). Haber logrado este conocimiento y esta valoración del arte rupestre universal es, creemos, uno de los grandes logros de la moderna ciencia antropológica."
Tal como vemos, detrás de los petroglifos, geoglifos y pinturas rupestres existe una gran carga simbólico- religiosa. Cada motivo estampado sobre la roca grita silenciosamente su verdad y razón de existir, intentando decirnos algo que tal vez nunca lleguemos a escuchar, ni mucho menos comprender. No era cualquier lugar o roca la escogida para plasmar esa expresión plástica, tampoco lo eran los hombres o "artistas" que las dibujaban, no era en cualquier momento en que se ejecutaban estas "obras de arte". Estamos hablando de espacios y tiempos sagrados y consagrados, de personas especiales dentro de un grupo social que podríamos llamar shamanes, yatiris, sacerdotes o artistas.
Las manifestaciones de arte rupestre conservadas en cuevas, aleros, paredones rocosos o al aire libre, han perdurado casi milagrosamente hasta nuestros días, muchas de ellas se perdieron para siempre y sin la posibilidad de ser estudiadas. Hoy mas que nunca corren un serio peligro de desaparecer, debido fundamentalmente a las acciones vandálicas de la especie "racional" y "civilizada" que ocasiona daños irreparables en este valioso patrimonio que nos pertenece a todos. Salta es muy rica en lo que a manifestaciones de arte rupestre se refiere, pero pocos son conscientes del valor que esto representa.
Si quisiéramos tener una idea de la importancia de estas manifestaciones del arte rupestre, que han pervivido durante cientos y miles de años, bastaría compararlas con un libro manuscrito de historia que nadie conoce, que es el único ejemplar en todo el mundo y que inclusive le faltan ya algunas hojas. Cada acción de escribir sobre las manifestaciones de arte rupestre o intentar llevarse un "recuerdo" a casa, significaría destruir una hoja más de ese incunable, con la consecuente pérdida de la información que contenía y sin posibilidad alguna de recuperarla jamás. Cada hoja perdida hace más difícil la interpretación de lo que se intenta "leer". Hasta ahora solo hemos abordado el tema de una manera muy superficial y sería necesario un gran cantidad de espacio para abarcar y desarrollar mínimamente las principales temáticas, no obstante, es de esperar que el presente artículo sirva para empezar a tomar conciencia del valor de nuestro patrimonio cultural en general, del arte rupestre en particular, y muy especialmente de la importancia que tienen personas como don Demetrio Vilte, quienes conocen algunos capítulos de memoria y nos resistimos a escucharlos.
Existen muchas organizaciones internacionales encargadas de investigar y proteger el arte rupestre, por ejemplo la UNESCO la considera (al arte rupestre) como patrimonio mundial de la humanidad. En el año 1988 se fundó en el continente australiano la Federación Internacional de Organizaciones de Arte Rupestre (IFRAO), que cuenta en la actualidad con 24 organizaciones distribuidas en América, Europa, Asia y Australia.
En Bolivia existe una prestigiosa institución llamada Sociedad de Investigación de Arte Rupestre de Bolivia (SIARB) y en nuestro país el Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano (INAPL) viene desde hace tiempo trabajando en el proyecto de "Documentación y Preservación del Arte Rupestre Argentino", cuyos objetivos principales son : 1) Relevar y documentar sitios con arte rupestre ; 2) Organizar un archivo documental y una base de datos electrónica con fotografías, tomas de vídeo y otras clases de imágenes ; 3) Realizar exposiciones a nivel nacional e internacional y producir material de comunicación gráficos y audiovisuales ; 4) Evaluar el impacto producido por los agentes naturales y el flujo turístico a los sitios, y cooperar con los organismos locales encargados de su control ; 5) Diseñar un plan de manejo de los sitios basado en el trazado de senderos y carteles explicativos que guíen a los visitantes, y en la protección de construcciones adecuadas ; 6) Capacitar a guías turísticos y concientizar al público en el valor que tiene el arte rupestre como testimonio del desarrollo cultural regional.
Los dirigentes políticos actuales se están dando cuenta que el turismo en el NOA tiene un magnífico potencial económico, de hecho sus planes apuntan en esa dirección. El arte rupestre y los sitios arqueológicos podrían ser una inagotable fuente de ingresos, como lo son en otros países, siempre y cuando se investigue en profundidad la información que poseen y se planifique la forma de "explotación turística". Si se promociona algo que no se lo prepara previamente su duración es efímera ; es como promocionar la caza indiscriminadamente, el día que no queden leones (por citar un ejemplo) recién se darán cuenta que la especie tenía más valor estando viva que muerta ; ocurre lo mismo con el arte rupestre y sitios arqueológicos, si promocionamos lugares ciegamente, sin control, carentes de información y sentido, al poco tiempo serán depredados y tal vez porque no se conozca el verdadero valor cultural e informativo que poseen. No vendrán turistas y se habrán perdido para siempre posibilidades económicas, científicas, culturales y humanas.
A miles de kilómetros de estas latitudes, en un sitio con arte rupestre, un anciano indígena de la Reserva Curve Lake de Canadá, quiso expresar su sentir para con el arte rupestre y, de lo mas profundo de su ser, le salieron las siguientes palabras, seguramente compartidas en un mismo sentir por don Demetrio Vilte

He venido al lugar de meditación de mis ancestros.
He hecho mi visita en la luna en que caen las
hojas. Cuan tranquilo - cuan pacífico es este
sagrado suelo.
Los pájaros, los árboles , el murmullo del
manantial debajo de la tierra,
me dicen que me encuentro en el lugar donde mi
gente vino antes por el conocimiento
y para conversar con los dioses.
Siento ojos mirándome,
siento el soplo de una brisa agonizante cuando
pasa, dejando a los árboles susurrarme un
misterio.
He intentado,
he intentado afanosamente entender,
pero mis oídos no pueden aprehender el
significado.
Mas debo recordar.
Oh, oído de piedra, eres agudo, tu boca también
está abierta
pero detrás de tus labios yacen los
desconocidos secretos que conservas.
Ah, eres demasiado sabia para mí.
Mas siempre me sentiré feliz de ser uno,
una parte de ti.
Hace siglos,
pusiste tus pensamientos en la piedra para ser
vistos
por la gente de todas las naciones.
Solo tú preservas el secreto de mi gente,
nívea roca.
(escrito por Gladys Taylor, poesía titulada : "Oídos de Piedra")

Si alguna vez tiene la oportunidad de visitar un sitio con arte rupestre recuerde lo que ha leído, disfrute observando sin dañar, algo que fue realizado hace cientos o miles de años por personas tan sensibles e inteligentes como usted, no raye, no toque, no moje, ni pinte sobre estas bellas expresiones de espiritualidad ancestral, si encuentra un petroglifo de dimensiones pequeñas déjelo en su lugar, en el patio de una casa ya no tiene ningún sentido, respete estos "santuarios" que nos legaron nuestros antepasados y escuche el mensaje que intentan transmitir, para que sus hijos y nietos también puedan hacerlo.

[Publicado en Revista "Miradas : Artes, Ciencias y Creencias del Norte" .Nº 12, diciembre 1997. Salta , Argentina]